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Ich heiße Enie van de Meiklokjes.
Mir ging es wie vielen:
Ich fühlte mich schon immer von Malerei angezogen,
wusste aber irgendwie viel zu wenig darüber.
Dann traf ich zwei Kunstexperten:
Der eine Fachmann für die Alten Meister.
Der andere für die Moderne.
(Lebhafte Musik)
Sie brachten mir das bei, was man wirklich braucht,
und zwar so anschaulich, dass es auch jeder versteht.
(Lebhafte Musik)
In vier Folgen erfahren Sie, was ich gelernt habe.
"Nie wieder keine Ahnung! Malerei."
(Lebhafte Musik)
Heute geht es um die Künstler.
Ich bin gespannt, was mir meine Experten da ausgesucht haben.
Auf jeden Fall haben sie mir einen aufschlussreichen Einblick
in die Künstlerseele versprochen.
Es geht natürlich um die Künstler quer durch die Jahrhunderte.
Die, die hier hängen, sind die größten Maler der Kunstgeschichte.
(Ruhige Musik) Albrecht Dürer.
Caravaggio.
Diego Velázquez.
Peter Paul Rubens.
Gustave Courbet.
Und Salvador Dalí.
Was sind das eigentlich für Typen? Und ab wann gilt man als Künstler?
Praktisch, dass einer meiner Coaches sogar selbst Künstler ist.
(Lebhafte Rockmusik)
Prof. Wolfgang Flatz.
Er sorgte mit seinen Kunstaktionen immer wieder für heftige Debatten.
Sein liebstes Ausdrucksmittel:
der eigene Körper.
(Dynamische Rockmusik)
Herr Prof. Flatz, Sie haben ja an der Akademie Malerei studiert,
sind nicht Maler geworden, aber trotzdem ein Künstler.
Was macht denn einen Künstler aus?
Der Künstler ist ein Fährtenleger.
Die, die Welt nicht aus wissenschaftlichem
oder rationalem Blickwinkel interpretieren und sehen.
Vielmehr entwickeln sie eine Formensprache,
die ihre Sicht auf ihre Zeit
aus einem völlig neuen Blickwinkel ermöglicht.
(Rauschen, jemand sagt etwas im Hintergrund.)
(Lautes metallisches Krachen)
Wir sehen jetzt hier ein menschliches Pendel
oder fast so wie ein Glockenklöppel hin- und herschwingen.
Sind Sie das selber?
Das bin ich.
Ich hab meinen Körper ... als Ausdrucksmittel gewählt.
Der Körper ist das Direkteste, das Unmittelbarste.
Jeder hat einen.
Wir kennen den, wir wissen, was Schmerz ist, was ein Kuss ist.
Deswegen der direkte, unmittelbare Körpereinsatz
und das Weglassen von Pinsel, Farbe und Leinwand.
(Rauschen, lautes metallisches Krachen)
Wenn das jetzt sieht, denkt man als Erstes:
Oh Gott, das hat bestimmt wehgetan.
Ja, ich empfinde Schmerz wie jeder andere.
Aber das empfindet auch der Betrachter und Zuseher.
Und genau darum geht's: zu erreichen, zu berühren,
emotional aufzuwühlen et cetera.
(Rauschen, lautes metallisches Krachen, jemand ruft etwas.)
Und was wollen Sie uns jetzt damit sagen?
Es ist, wie wir das alle kennen:
Wenn jemand stirbt, läutet die Glocke.
Also, der Ton steigt auf.
Und der Ton der Glocke ist die Verbindung von der Erde zum Himmel,
also vom Irdischen zum Überirdischen.
Das ist die Symbolik bei jeder Sterbeglocke,
auch bei der Erinnerung
wie beim Glockenschlag mittags oder zu Kirchenfesten.
Das ist eine Seite, und die andere Seite,
dass wir in einer Welt von vielen Gleichzeitigkeiten leben.
Einerseits werden Menschen gefoltert,
es gibt Kriege, wo Menschen sterben.
Und andrerseits werden Feste gemacht wie Hochzeitsfeste,
wo gevöllert und geprasst wird.
Dass Dinge gleichzeitig in unserer Zeit passieren.
(Musik: "An der schönen, blauen Donau" von Johann Strauss)
Künstler ticken ja vom Selbstverständnis her anders
als ein Durchschnittsbürger.
Ja, Künstler ...
stellen Konventionen infrage und ... verschieben Grenzen.
Gibt es denn für Sie einen Lieblingsgrenzverschieber?
Ja, da fällt mir Marcel Duchamp ein,
der ein radikaler Erneuerer am Beginn des 20. Jahrhunderts war.
Mhm.
Welcher radikale Schritt war das?
(Glockenschlag)
Der machte einfache Sachen, der machte Kontextverschiebungen.
Was, Moment, Kontextverschiebung, was heißt das?
(Ton im Rücklauf)
Er hat ein Pissoir, in dem man normalerweise Lulu macht,
ins Museum gestellt, es als Alltagsgegenstand genommen
und ins Museum gestellt und es damit zur Kunst erklärt.
Und das ist dann auch wirklich Kunst?
Das ist Kunst, große Kunst.
(Angespannte Musik)
(off:) Prof. Wolfgang Flatz
hat mir noch einige schöne Extra- vaganzen von modernen Malern genannt.
Der deutsche Künstler Georg Baselitz zum Beispiel.
Er stellt seine Bilder auf den Kopf.
Ein Coup, der sein Markenzeichen wird.
Der Franzose Yves Klein lässt sich die Farbe Blau patentieren:
sein Monochrome Bleu.
Bis heute muss man um Erlaubnis bitten,
wenn man diese Farbe verwenden will.
(Lebhafte Musik)
Schön auch der Italiener Lucio Fontana.
Er schnitzt in den 50ern die Leinwand
und eröffnet so für die zweidimensio- nale Malerei eine dritte Dimension:
das Dahinter.
Und schließlich: Andy Warhol.
Der gar nicht mehr selbst malt,
sondern Bilder im Siebdruckverfahren nach Vorlagen herstellen lässt.
Das waren ein paar schöne Beispiele aus der modernen Kunst.
Aber was die Alten Meister für Künstlertypen waren,
das erfahr ich von Prof. Wünsche.
Er ist der Direktor der Staatlichen Antikensammlung
und der Glyptothek in München.
Und dazu ein profunder Kenner und Liebhaber der klassischen Malerei.
Mit anderen Worten: ein idealer Lehrmeister.
(Lebhafte Musik)
Herr Prof. Wünsche,
haben sich denn die Maler schon immer als Künstler gesehen?
In der Antike, ja. - Mhm.
Im Mittelalter, da waren sie mehr im Status eines Handwerkers.
Darum haben sie auch nicht signiert.
In der Renaissance beginnt's dann wieder,
dass die Maler alle signieren.
Sie empfanden sich als was Besonderes.
Also, einer, der es besonders weit getrieben hat,
der sogar seinen Namen stilisiert hat ...
das ist Albrecht Dürer.
Der hat aus seinem Namen geradezu ein Markenzeichen,
wir würden heute sagen, ein Logo gemacht.
(Spannungsvolle Musik)
Also A, D, so ineinander verschränkt.
Der guckt mich an, und ich find,
der sieht ein bisschen aus (lachend:) wie Jesus.
Ja, Jesus mit so Korkenzieherlocken, so mit so einer Pudelfrisur.
Und das ist schon ein Blick, der hat auch die Leute irritiert.
Da hat man auch schon ein Attentat drauf gemacht.
Und das ist natürlich ein ganz neues Selbstbewusstsein,
was hier gegeben ist.
(Kirchlich anmutende Chormusik im Rockrhythmus)
War er denn ein Genie?
Dürer mit Sicherheit, er ist einer der großen Maler.
Er wurde auch so behandelt zu seiner Zeit.
Er verkehrte mit dem Kaiser, jeder wollte von Dürer ein Bild haben.
Gibt es denn heute noch solche Genies?
Heute gibt's die meisten Genies. Wer ist heute keines?
Jeder Fußballer fühlt sich schon wie ein Genie.
Wer mit einem Pinsel zwei Striche macht, hält sich für ein Genie,
manchmal wird er dafür gehalten.
Denken Sie da jetzt an jemand Bestimmtes?
An niemand Bestimmten.
Da gibt's ganz viele, aber das sag ich Ihnen nicht.
Schade!
Das hätt Ihnen gefallen, gell? (Sie lacht.)
Prof. Flatz hat erzählt,
dass Künstler Grenzen überschreiten wollen, richtige Revoluzzer sind.
Gab's die auch in der Alten Malerei?
Das Wort Revoluzzer würde ich gar nicht gebrauchen,
aber ich würd sagen:
Es gab Leute, die der Malerei ganz neue Wege gewiesen haben.
Und einer davon, das war Caravaggio.
Ein bahnbrechender Meister für die Barockmalerei.
Mhm. - Und da ...
zeig ich Ihnen mal ein Bild davon.
Es heißt: "Die Berufung des Matthäus",
also des Apostels Matthäus.
Dürfen wir da reingehen?
Das ist ganz spannend, in dieses Bild zu gehen.
Wir schauen mal durchs Fenster rein.
Aber da kann man ja gar nicht so richtig sehen.
Die Fenster sind schmutzig, die sind fast blind.
Genau, das ist ja das malerisch Revolutionäre.
Caravaggio wollte von hier kein Licht haben.
Um das zu verstehen, muss man direkt ins Bild reingehen.
(Zauberhafte Musik)
Also, das Spannende an dem Bild ist doch, dass man meint,
man ist in Hollywood auf dem Filmset.- Mhm.
Man sieht doch, dass das Licht nur von hier oben kommt,
wie aus dem Scheinwerfer. - Ja.
Ganz gebundenes Licht fällt hier ein.
Was das für eine Wirkung hat,
das Licht fällt ja auf die Gesichter der Köpfe ...
Was ist, wenn wir das Licht ausschalten?
(Fingerschnippen) Oh!
Jetzt ist das Bild ziemlich fade, dunkel und grau.
Ich schalte es lieber wieder ein. (Fingerschnippen)
(Zauberhafte Musik) (beeindruckt:) Aah.
Dann merkt man auch, warum der Maler das Fenster so blind gemalt hat.
Er wollte kein Streulicht haben.
Verstehe.
Er will das fokussierte Licht.
Und was das fokussierte Licht bedeutet -
was sieht man denn hier?
(zögernd:) Ja, da sitzen fünf Männer am Tisch.
Und die spielen.
Die zocken ein bisschen.
Und man sieht, dass noch zwei kommen.
Der eine, der hat die Hand so ausgestreckt ...- Ja.
und weist in die Richtung mit dem Licht.
Und ein anderer sitzt und macht so.
Mhm. - Das heißt ...
er fühlt, er ist gemeint.
Das ist eines der ganz zentralen Themen der Bibel.
Die Berufung des Matthäus.
Christus kommt ...
und sagt: "Folge mir nach."
Da wär ich jetzt nie draufgekommen.
Das sieht eher aus wie in so einer Zockerkneipe hier.
Zockerkneipe ist schon nicht schlecht,
aber es ist ein Zöllnerhaus.
Also, Matthäus vergnügt sich grad mit anderen Leuten
sozusagen in der Pause.
Und das ist jetzt das Interessante an dem Maler Caravaggio
und auch das Revolutionäre:
Dass er dieses große Thema, die Berufung eines Apostels,
in solch eine Szenerie, in so eine ganz profane Szenerie setzt,
und dadurch drauf hinweist:
Jeder ...
kann von Christus berufen werden.
Da wär ich nie draufgekommen, dass es um dieses Thema geht.
Aber jetzt gehen wir von diesem wichtigen Ort wieder raus.
Ja, wir wollen sie ja nicht stören. (Spielerische Musik)
Ich hab mal einen Film über Caravaggio gesehen,
da wurde gesagt, dass er gar nicht so gottesfürchtig gelebt hat.
Das stimmt natürlich. Das war ein wilder Kerl.
Also, der hat sich rumgeschlagen sogar duelliert, wurde eingesperrt.
Ist wieder ausgebrochen, wieder gefangen worden und so was.
Das war schon schwierig.
Der war sehr impulsiv, aber seine Auftraggeber,
es waren ja oft Kardinäle, hohe Kirchenfürsten, haben gewusst,
was sie an ihm haben, und haben ihn so ein bisschen gedeckt.
Das heißt, er genoss so eine Art Ausnahmestellung.
Ja, das ist ein interessantes Phänomen, dass zu dieser Zeit ...
wirklich große Künstler, also Genies,
die standen fast ein bisschen außerhalb des Gesetzes.
Mhm. - Die konnten sich einiges erlauben,
was sie heute den Kopf kosten würde.
Gab es denn noch so einen Revoluzzer?
Ja, ich führ jetzt einen an, der ...
im Grunde genommen wie ein Höfling lebte,
aber der hatte einen revolutionären Pinsel: Diego Velázquez.
Von dem hab ich ein Bild mitgebracht.
Das heißt "Las Meninas".
"Die Hoffräuleins." - Mhm.
Jetzt hab ich schon so viel gesagt, jetzt müssen Sie mal ran.
Also, ich seh auf den ersten Blick ein kleines Mädchen.
Das wird ganz schön bedient von ...
zwei Hoffräuleins.
Das sind die Meninas, so heißt das auf Spanisch.- Mhm.
Und wenn ich weitergucke, sehe ich ...
ja, irgendwie an der Seite einen Hund
und dann noch so zwei kleine Erwachsene oder ...
Das sind Zwerge, das sind die berühmten Hofzwerge,
so wie sie der Adel früher oft gehalten hat.
Aha.- Man fragt sich natürlich, warum die so Zwerge haben.
Das muss man verstehen, das erhöht einen natürlich.
So degeneriert kann man als Adeliger gar nicht sein,
gegen so einen Zwerg schaut man immer noch gut aus.- Verstehe.
Man sieht im Hintergrund noch Personen.
Und man sieht auch einen Maler.
Der hat sogar einen Pinsel in der Hand. Ja.
Wer könnte das sein? Das ist Diego Velázquez, das ist der Maler.
Ach! - Und was malt er da?
Ja, das kann man jetzt nicht sehen,
weil die Staffelei ist mit dem Rücken zu uns.
Da muss man jetzt ein bissl detektivisch sein.
Darüber haben schon viele nachgedacht.
Jetzt versuchen wir auch rauszufinden: Was könnte es sein?
Wo schauen die alle hin? Das ist das Wichtigste.
(Spannungsvolle Musik)
Die Personen, der Maler guckt mich an,
aber mich wird er nicht gemalt haben. - Glaub ich auch nicht.
Kann ich mir nicht vorstellen. Wer schaut noch raus?
Das Hoffräulein schaut raus, der Zwerg schaut raus.
Alle schauen zu uns. - Ja.
(Spannungsvolle Musik)
Wenn man das Bild noch mal genau anschaut,
dann sieht man noch jemand anderen.
Ach!
Ich seh hinter dem kleinen Mädchen, da sieht man zwei Personen.
Aber das ist ja eigentlich ein Bild, oder?
Nein, das ist ein Spiegel.
Mhm.
Da spiegeln sich die beiden Personen,
die dort stehen, wo jetzt wir sind.
Das kann ich gleich sagen, wer das ist.
Das ist das spanische Königspaar,
das der Maler grade wunderbar auf sein großes Bild setzt.
Und deswegen erklärt sich auch das Mädchen, das ist die Tochter.
Die kommt da rein und schaut zu, wie die Eltern gemalt werden.
Also, das Verrückte an dem Bild ist ja,
dass der Maler gemalt hat, wie er selber malt.
Dass der Maler ein riesengroßes Bild malt,
wo er gegeben wird, wie er den spanischen König malt.
Die sind ganz klein, und er steht prachtvoll da.
Ein Selbstporträt eines Malers.
Der König ...
die Familie blickt auf ihn, auf den Maler.
Das ist ein Anspruch!
(Spannungsvolle Musik)
Das ist ja schon verrückt, was einem Künstler alles einfallen kann.
Und dass er es dann auch noch malt und wir es rauslesen können.
Aber wir wollen ja keine Müdigkeit vorschützen.
Denn beim letzten Mal hat mir Prof. Wünsche versprochen,
dass er mir das Wunder erklären wird,
wie ein Barockmaler, ein ganz berühmter, Peter Paul Rubens,
in nur 40 Jahren 3.000 Bilder malen konnte.
(Fröhliche Musik)
Das Atelier Rubens liefert Bilder wie am Fließband.
Nach Adam Riese im Schnitt 75 pro Jahr!
Zum Beispiel 1617 "Das Große Jüngste Gericht".
Gefolgt von "Der Raub der Töchter des Leukippos".
Währenddessen malt er aber schon am nächsten:
"Bündnis der Erde mit dem Wasser".
(Fröhliche Musik)
Kurz danach wird schon wieder ein Bild fertig.
Dieses hier: "Die Amazonenschlacht".
Das Irre ist dabei - fast jedes Bild hat Schrankwandformat.
(Die Musik verklingt.)
(Schwungvolle Streichmusik)
(off:) Mindestens ein so großes Bild pro Woche - wie schafft man das denn?
Natürlich hat Rubens all diese Bilder nicht selbst
bis zum letzten Pinselstrich gemalt, ist ja klar.
Der hatte eine Riesenwerkstatt.
Die haben für ihn gearbeitet.
Mhm. Aber dann würde ich ja schon wieder sagen,
das ist irgendwie so Industrieware.
Das kann man gerade nicht sagen.
Denn Rubens hat die Entwürfe gemacht, das Wichtigste.
Die Bilder sind einmalig.
Der hat nicht 20-mal das Gleiche malen lassen.
Und zum Dritten hatte der Rubens natürlich Mitarbeiter.
Die hat er sich auswählen können, die hat er geschult.
Die haben so gemalt wie Rubens.
Aber hat er dann den Pinsel überhaupt nicht in die Hand genommen?
Nein, ganz im Gegenteil.
Der Rubens hat natürlich seine Werkstatt überprüft,
hat sich das Ergebnis angeschaut und korrigiert, eingegriffen.
Manchmal sogar ...
Es gibt Briefe, da beschwerten die sich, sie wollen mehr Rubens haben.
Da hat er den Kopf noch mal gemalt.
Mhm.
(off:) Gibt es Bilder,
die er vom ersten bis zum letzten Pinselstrich selber gemalt hat?
Er hat zum Beispiel dieses Bild hier,
wo man ihn sieht mit seiner Frau.
Das ist in dem Sinne, wie wir heute sagen, ein Rubens von A bis Z.
Da hat er jeden Pinselstrich gemacht.
(Schwungvolle Streichmusik)
Wenn Rubens so viele Bilder gemalt hat, er ist sie ja auch losgeworden,
dann muss er doch richtig reich gewesen sein.
Ja, das stimmt schon, aber es war nicht nur Rubens reich.
Auch viele andere Maler der Renaissance,
zum Beispiel Tizian, Raffael.
Die haben große Einkommen gehabt.
Bei Rubens, da gibt es sogar noch sein Haus.
Das ist kein Haus, das ist ein richtiges Palais.
Aber woher kommt dann dieses Klischee, Künstler seien arm?
Ja, das entsteht im 19. Jahrhundert.
Da ist der Adel als großer Auftrag- geber nicht mehr so mächtig gewesen.
Der wichtigste Auftraggeber, die Kirche, die fällt fast aus.
Damit haben viele Maler ihr festes Einkommen gar nicht haben können.
Die haben jetzt das gemalt, was sie selbst bewegt.
Und für diese Bilder, da mussten sie natürlich einen Käufer finden.
Da gab's welche, die sehr erfolgreich waren.
Aber andere ...
die halt vielleicht zu der Zeit auch gar nicht richtig erkannt wurden ...
und damit auch nichts verkaufen konnten.- Mhm.
Wir haben jetzt geklärt, wie sich Künstler gesehen haben,
unter welchen Bedingungen sie gearbeitet haben.
Was mich noch interessiert: Wie haben äußere Einflüsse auf Maler gewirkt?
Politische, historische Ereignisse,
wirtschaftliche, technische Erfindungen.
Wie war das? Hat der gedacht:
Och, ich mal jetzt was Aktuelles, das werd ich schneller los?
Künstler haben natürlich immer reagiert auf die Zeit,
in der sie leben.
Das mussten sie ja.
Sonst hätten sie nicht verkaufen können.
Ich möchte ein Beispiel eines politischen Bildes zeigen.
Hier aus dem 19. Jahrhundert ein Bild,
das sogenannte "Die Steinklopfer" von Courbet.
Das Bild ist riesengroß. - Mhm.
Gemalt 1849. (Spannungsvolle Musik)
Was ist denn da jetzt das Aktuelle daran?
Ein schönes Thema ist es ja auch nicht.
Ja, 1848 war in Frankreich wieder eine Revolution.
Und da waren ja auch in Deutschland so große Unruhen.
Und darauf reagiert jetzt der Maler.
Er solidarisiert sich mit diesen einfachen Leuten.
Zwei arbeitende arme Teufel, irgendwo beim Straßenbau.
Dann war dieses Bild also ein politisches Statement.
Ja, genau.
Ganz bewusst. So muss man das sehen.
Das Bild hat natürlich nicht allen gefallen, das ist klar.
Konservative oder die sogenannte herrschende Klasse,
die konnte sich daran natürlich nicht erfreuen.
(Hammerähnliche Schlagzeugmusik)
(Dynamische Musik)
(Bremsenquietschen)
(Zungenschnalzen)
Wie ist das in der modernen Malerei,
wie hat man da äußere Einflüsse verarbeitet?
Ich hab Ihnen da ein berühmtes Beispiel mitgebracht.
Ein Gemälde von Salvador Dalí, dem Meister des Surrealismus.
Es trägt den Titel "Die Beharrlichkeit der Erinnerung".
(Unheimliche Musik, Zungenschnalzen)
Es sieht alles so ein bisschen unwirklich aus.
Also, wenn ich jetzt das Bild beschreiben müsste,
würde ich sagen, es ist nicht ... Wirklichkeit.
(Sphärische Musik)
Sondern es sieht so ... merkwürdig aus, als wenn es so unecht ist.
Es handelt sich auch um eine Traumlandschaft.- Mhm.
Aber geträumt haben die Menschen doch schon immer.
Warum wurde das nicht vorher schon mal gemalt?
Ja, das geht zurück auf ein ganz bedeutendes Buch.
Salvador Dalí hat mal gesagt,
das war die größte Entdeckung seines Lebens.
Es war ein Buch von Sigmund Freud mit dem Titel "Die Traumdeutung".
Und das hat Salvador Dalí gelesen und hat ihn sehr beeinflusst.
(Sphärische Musik)
Und er hat von sich behauptet,
ein malender Fotograf von Träumen zu sein.
Aha!
Traumbilder werden in Malerei übersetzt.
Und er hat dabei ein ganz berühmtes Motiv erfunden:
die Dinge weich werden zu lassen.
So wie diese Uhren auf diesem Bild, die zerfließen ja auch überall.
Also über dem Ast und an der Kante
und auf dieser schneckenförmigen Figur.
Richtig.
Wie kam er denn darauf? Hat er das geträumt?
Bei einem Abendessen war ein zerfließender Camembert am Tisch.
Und der hat ihn inspiriert.
Und in derselben Nacht hat er dieses Bild gemalt.
Das heißt, mit einem realen Traum von ihm hat das nichts zu tun,
sondern es ist eigentlich nur ein Käse?
Ja, der ...
Käse hat ihn inspiriert, ein bedeutendes Gemälde zu malen.
Mhm. (Sphärische Musik)
Ein ganz wichtiges Thema
ist ja zum Beispiel auch der Künstler und seine Muse.
Also die Frauen, die Geliebten, die Gönnerinnen.
Das ist sehr wichtig.
Für viele Künstler verkörpern Frauen ...
Leben, Leidenschaft, Natur, Lust, Laster ...
Sie sind auch ... oft die,
die die Künstler unterhalten, im doppelten Sinne.
Und nicht selten sind sie die besten Kritiker der Künstler.
(Idyllische Gitarrenmusik)
(Lebhafte Musik)
Die Frauen.
Für so manchen Künstler sind sie die fruchtbarste Inspirationsquelle.
Zum Beispiel für den Surrealisten Salvador Dalí.
Er und seine Frau Gala sind das Dream-Team schlechthin.
Sie ist sein Ein und Alles.
Muse, Ehefrau, Beraterin in allen Lebenslagen.
Er malt sie ständig.
Am liebsten nackt.
(Lebhafte Musik)
Er hat viele Musen.
Seine liebste ist die stets unglückliche Dora Maar.
Von ihrer Leidensfähigkeit inspiriert malt er seine schönste Porträts.
(Lebhafte Musik)
Oskar Kokoschka leidet an der unerfüllten Liebe zu seiner Alma.
Er verarbeitet das in expressiven Bildern mit dickem Farbauftrag.
Als sie ihn endgültig verlässt,
zieht er verzweifelt in den Ersten Weltkrieg
und setzt sich später zum Trost eine Alma-Puppe aufs Sofa.
Die Frauen waren ja in der Kunst als Muse für den Künstler so wichtig.
Aber warum gibt es so wenig Frauen, die auch Malerinnen waren?
Das hat mit dem Rollenverständnis der Frauen
in der jeweiligen Zeit zu tun gehabt.
Bis vor Kurzem
waren Frauen eigentlich an Haus und Heim und Herd gebunden.
Und das Rollenverständnis war eher eine dienendes dem Mann gegenüber.
Es gab natürlich fast keine Ausbildungsmöglichkeiten für Frauen.
Und es gab natürlich auch keine potenziellen Auftraggeber
für Frauen.
Deswegen sind sie unter anderem ...
durch den Rost der Geschichte gefallen.
(Heitere Musik)
Aber ein paar Malerinnen gab's doch bestimmt trotzdem?
Eine kleine Statistik:
Fünf Prozent aller Maler waren Frauen.
Aber 85 Prozent aller Akte waren weiblich.
Mh! Von diesen fünf Prozent, die Malerinnen waren,
haben Sie da ein paar Beispiele, ein paar Namen?
Da sind wenige übrig geblieben.
Zum Beispiel Artemisia Gentileschi, eine Zeitgenossin Caravaggios.
Oder Frida Kahlo, die Frau von Diego Rivera.
Die heute berühmter ist als der Meister selbst.
Oder Georgia O'Keefe
wär ein Beispiel von berühmt gewordenen Malerinnen.
Wie sieht's denn mit den Malern in der Gegenwart aus?
Grade in Deutschland.
Gibt es da Namen,
die man irgendwie draufhaben sollte, die man kennen muss?
Da kann ich Ihnen ein paar bedeutende Beispiele zeigen.
Der erste, der teuerste Maler der Gegenwart:
Ein frühes Werk von ihm mit dem Titel "Ema, Akt auf einer Treppe".
Mhm. Wenn ich das angucke, würd ich gar nicht denken,
dass es ein gemaltes Bild ist,
weil es sieht aus wie so eine verschwommene Fotografie.
Die Vorlage war ja auch eine Fotografie.
Und es sieht aus wie ein Schnappschuss,
der hat verschwommen gemalt.
Also so der kurze Moment des Erfassens
wird anhand dieses Gemäldes auch vermittelt.- Mhm.
Das nächste Gemälde, das ich Ihnen zeige,
das von einem sehr bedeutenden Künstler ist,
sehr einflussreicher Künstler
speziell für die junge Generation ist Sigmar Polke.
Das Bild heißt "Freundinnen".
Sigmar Polke gilt als der deutsche Pop-Art-Künstler und war Vorreiter
und hat Bilder teilweise noch
von amerikanischen Pop-Art-Künstlern gemalt.
Das wär etwas, das würd ich mir auch in die Wohnung hängen.
Das finde ich sehr schön, bunt.
Aber es erinnert mich auch etwas an so eine Fotografie.
Ja, weil das Raster draufgelegt ist,
wie man das aus der Zeitungsfotografie kennt.
Und wahrscheinlich war auch die Vorlage
für dieses Gemälde ein Zeitungsbild.
Mhm. Der nächste Name?
Das letzte Bild, das ich Ihnen zeige ...
Moment mal, dass wir's auch richtig haben:
Das ist Georg Baselitz.
Das ist der, der viele Sachen auf dem Kopf gemalt hat, ne?
Wenn ich genau hinschaue, seh ich, die Flügel sind unten.
Warum hat er das eigentlich gemacht?
Das ist ganz bewusst.
Es war seine Erfindung, Bilder auf den Kopf zu malen,
um sozusagen vom Motiv abzulenken und nur auf die Malerei ...
sich zu beziehen.
Er zeigt, dass nicht das Motiv das Entscheidende ist,
sondern die Malerei, und wie er's gemalt hat.
Da kann's doch mal passieren,
dass man so einen Künstler verkehrt rum aufhängt.
Ja, nur die ganz Dummen verdrehen die Dinge.- Okay.
(Sphärische Musik)
Ich hab heute wieder eine Menge gelernt.
Was gibt es denn beim nächsten Mal?
Von mir kriegen Sie ein Bild, auf dem Sie nur Blau sehen.
Und ich gebe Ihnen ein paar Brillen in die Hand,
mit denen Sie auf den Bildern ganz neue Sachen entdecken können.
Ich bin gespannt, ich freu mich auf Sie.
Und bis zum nächsten Mal!
(Lebhafte Musik)
SWR 2020